Processo de criação de "Tocar Paraíso"

A apresentação dos dois espetáculos premiados no projeto TRANSIT 2019 se iniciou ontem com a estreia de Jogar Paraíso, dirigida por João de Ricardo (JdR), no Teatro do Goethe-Institut de Porto Alegre. A montagem da Cia Espaço em BRANCO ainda tem sessão hoje, às 20h, no mesmo local. Nos dias 21 e 22 de maio, é a vez de o diretor Mauricio Casiraghi (ATO Cia Cênica) estrear Expresso Paraíso. As duas encenações voltarão ao palco do Goethe-Institut ao longo de maio e de junho. 

O projeto TRANSIT, criado pelo Goethe-Institut em 2017, financia dois criadores gaúchos a proporem encenações próprias para um mesmo texto, criado por um dramaturgo ou dramaturga de língua alemã. Em 2019, foi a vez de JdR e de Casiraghi proporem suas montagens para o texto jogar paraíso/paradies spielen, do austríaco Thomas Köck.

Thomas Köck assistirá à estreia das duas encenações em Porto Alegre, e participa de um debate com os diretores e os críticos do Agora no próximo dia 21 de maio, mediado pelo jornalista Valmir Santos. Leia entrevista do dramaturgo no link https://bit.ly/2JnZTO0 .

Além de promover o trânsito criativo entre Europa e Brasil, o Transit se propõe a consolidar a figura do crítico interno. Dessa maneira, cada editor do Agora Crítica Teatral acompanhou o processo de criação de um dos espetáculos. Renato Mendonça acompanhou a Cia Espaço em BRANCO, e Michele Rolim, a ATO Cia Cênica. O TRANSIT tem realização do GI e do Palco Giratório, e correalização do site AGORA crítica teatral.

A seguir, o relato de Renato Mendonça sobre o processo de criação de Tocar Paraíso.

Em dezembro do ano passado, ficou decidido que me caberia acompanhar o processo de criação da Cia Espaço em BRANCO para o texto jogar paraíso/paradies spielen, de Thomas Köck. Fiquei entusiasmado: acompanho o grupo liderado por João de Ricardo desde sua criação, em 2004, e tenho dialogado com suas criações por meio de críticas publicadas em sites e de contatos pessoais. Fiquei ainda mais próximo no ano passado quando a Cia Espaço em BRANCO participou com o espetáculo A Fome do projeto Ponto de Teatro, do Instituto Ling, do qual sou curador.

Por conta dessa relativa intimidade, já previa algumas atrações que a festinha de 15 anos da Cia Espaço em BRANCO me reservaria: uso de recursos multimídia, utilização não-convencional e extensa do espaço onde se dá a encenação, presença de João de Ricardo em cena, iluminação por vezes manejada pelos próprios atores, trilha sonora sendo executada ou manipulada ao vivo, nudez em cena, momentos de uma comicidade desconcertante e irreverente.

Escrito assim, pode parecer que a encenação de João de Ricardo para o texto jogar paraíso/paradies spielen seguiria um figurino padronizado, modelito Cia Espaço em BRANCO. Felizmente, não... apenas. Alimentado pela renovação do elenco, pelo desafio de trabalhar em uma produção acima dos padrões usuais do grupo, confrontado com um texto forte, denso e de personalidade, foi necessário zerar padrões e se reinventar. Tudo que escrevi no parágrafo anterior está em cena, reafirmando um estilo, mas a serviço da eficiência da encenação de Tocar Paraíso.

Antes de descrever e refletir sobre a criação de Tocar Paraíso, recupero algumas de considerações sobre o trabalho da Cia Espaço Em BRANCO, uma microfortuna crítica que servirá para contrastar com a montagem que estreou ontem no Goethe-Institut.

O QUE ESCREVI SOBRE O GRUPO

O primeiro registro é sobre a premiada encenação Teresa e o Aquário (2008) (https://bit.ly/30sLvJC). Sobre a peça, anotei no ano da estreia que “(...) João esqueceu o que é o teatro tradicional. As conhecidas varas de luz sobre o palco tomaram a forma de spots no palco e de varas coloridas, portáteis e fluorescentes. Cenário: nem pensar, só imaginar. O som, criado em tempo real ao trompete, escaleta e maquininhas eletrônicas por Roger Canal, era feito às vistas do público. O próprio João estava em cena, manejando a câmera”. Mais adiante: “Teresa e o Aquário é uma peça esburacada, que convida (ou desafia) o espectador a preencher as sugestões visuais e sonoras com sua própria bagagem”.

Homem que Não Vive da Glória do Passado (2010) (https://bit.ly/2JKGiqE), dirigida por Bruno Gularte Barreto e JdR, foi encenada simultaneamente nos bastidores, no palco e na plateia do Teatro de Câmara Túlio Piva, separando o público em duas turmas. Um atrito radical entre cena e espaço, atuação e performance, plateia e artistas que me evocou um diretor inglês: “[Peter] Brook também afirma que o teatro está morto, no sentido de que cada encenação está sujeita a seu tempo, seus artífices, suas intenções, seu ambiente”.

Baal da Luz Vermelha (2019) foi encenado na KZA-TEREZINHA, onde foram alocados a partir de 2017 os grupos que ocupavam a Usina do Gasômetro. JdR assumiu e incorporou a degradação do lugar para misturar o herói do dramaturgo Bertolt Brecht e o anti-herói do cineasta Rogério Sganzerla. Em mensagem pessoal, comentei: “o diretor capaz de um espetáculo detalhista e sofisticado como A Fome faz outro deliberadamente sujo e pobre em recursos como Baal. E pensei mais: que essa tua capacidade de trafegar nas estéticas e condições de produção te garantem uma autonomia que se torna tão difícil à medida q o tempo passa. Podes fazer com 20 reais ou 20 mil reais, como dizes”.

Prata Paraíso, reconhecido com o prêmio Açorianos de melhor espetáculo de 2017 (https://bit.ly/2fnSddQ), era uma encenação em que os atores se revezavam entre diferentes papéis, com uma estética homoerótica ostensiva. Escrevi: “A ordem é compartilhar tudo com a plateia – os atores-performers se maquiando e colocando adereços, os mais íntimos detalhes dos seus corpos nus, o diretor operando o som, a luz e uma câmera de vídeo que projeta no fundo do palco detalhes de cena”.

O QUE JdR ESCREVEU SOBRE A ENCENAÇÃO

Também vale a pena recuperarmos passagens do projeto apresentado em dezembro de 2018 por João de Ricardo à comissão de seleção do TRANSIT 2019 e avaliarmos o que se manteve e o que foi descartado na encenação que o diretor imaginava para o texto de Thomas Köck. Esse resgate nos garante um rastro do processo criativo, e nos ajudará a identificar o núcleo duro da encenação que finalmente se consolidou.

Sobre a equipe: “Assim, antes de qualquer planejamento visual ou sonoro, de qualquer atitude plástica, chamei um grupo de artistas do corpo que tem uma trajetória rica e diversa, artistas que extrapolam a linguagem da atuação em suas experiências, mas que também dançam, também fazem ativismo de gênero, que escrevem e fazem imagens em movimento. Ricos corpos diferentes, riqueza de criação e experiência na arte e na vida. Chamei para formarmos um corpo-coro onde os personagens propostos por Köck irão dançar, falar e cantar, um corpo coletivo que, nutrido pelas diferenças pessoais, poderá crescer numa presença coletiva que ultrapassa a todos”.

Sobre o personagem condutor: “Quem é esse condutor cantante, ávido de óperas e tempo musicais que orquestra sua equipe e leva seu trem a uma viagem onde só a velocidade importa, onde a paisagem se dissolve e resta apenas o Fluxo? Me parece um convite de Köck para que os encenadores se assumam fisicamente em cena. (...) Eu confundo direção com atuação pois sou ator e performer, e é do meu corpo que crio meus espetáculos, do meu corpo em relação aos corpos dos meus parceirx de cena. Me interessa o corpo, os corpos, as presenças e toda complexidade que reside no homem vivo. O teatro tem que ser feito com o corpo. Não é uma masturbação mental”.

Sobre o espaço: “O texto sugere lugares da ação que são impossíveis de terem uma resposta verossimilhante em termos de cenografia realista: os vagões de um trem, um centro cirúrgico para queimados, um casebre na China/Itália, um vagão que subitamente descarrilha e um quarto (ahh, Sartre e seu inferno), esse espaço polimorfo, e o próprio palco. Assim, como de costume, proponho a cenografia usual da Cia. Espaço em BRANCO, linóleo branco, ciclorama branco no fundo e nada mais. Além disso os atores manipulam o que por convenção está disponível nos teatros, microfones e iluminação".

Essa concepção foi superada, como veremos adiante. Em seu lugar, a caixa-preta quase desnuda, com apenas algumas lâmpadas fluorescentes fixadas na vertical.

Sobre a trilha: “Daniel irá mixar ao vivo ruídos e efeitos que serão previamente gravados e pesquisados, além de operar moduladores de voz que afetarão a qualidade da voz dos atores captadas por microfones. Daniel também irá operar a trilha sonora. Parte da trilha já está sugerida por Köck, Paul Anka – Put you head on my shoulder... e Vivaldi – Inverno. Interessante o fato que essa mistura musical entre erudito e pop cafona vintage tem aparecido nas minhas encenações mais recentes. O choque de linguagens abre espaços inusitados de fruição para o público”.

Essa proposta basicamente se manteve, mas o brega Paul Anka foi substituído por duas canções obscuras, divertidas e quase amadoras criadas pela youtuber e compositora Sonia Rocha (https://bit.ly/2VDiX1f, 1555 visualizações em 15/5, e https://bit.ly/2HsDhbC, com 1816 visualizações em 15/5). Além de uma versão desbocada para My Way criada pelo ator gaúcho Walney Costa.

Sobre o subtexto e a subvida de alguns personagens: “Nossos imigrantes chineses são moradores de periferias, são agricultores sem-terra, são negros e negras mortos a bala. São pescadores depois do desastre em Mariana. São carne de salsicha do estado e dos patrões. Moldados por décadas de servilidade e televisão, hoje votam em seus próprios algozes”.

Para informação, as condições de trabalho difíceis, para se dizer o menos, enfrentadas por personagens de Tocar Paraíso se repetem de alguma maneira na cidade pernambucana de Toritama, conhecida como a capital do jeans. No link https://glo.bo/2LLaFjh, reportagem sobre outros casos de trabalho escravo semelhante no Brasil.

O QUE PERCEBI NOS ENSAIOS

Os ensaios para Tocar Paraíso se iniciaram já em dezembro de 2018, sempre que possível no próprio palco do Goethe-Institut (GI). João de Ricardo sempre enfatiza a importância em seu processo de criação da “residência” no espaço onde será apresentada a peça, estimulando, lapidando e oferecendo soluções de encenação. No caso de A Fome, uma das melhores soluções de iluminação, criada com Carina Sehn, surgiu no ensaio geral no dia da estreia, em função das possibilidades oferecidas pela mesa de luz do Teatro do Instituto Ling.

No caso de Tocar Paraíso, um exemplo de influência do espaço na encenação é o uso de lâmpadas, recurso característico do grupo que ganhou reforço pelo fato de o Goethe-Institut estar descartando centenas de lâmpadas fluorescentes. JdR, atento ao paralelo com o lixo eletrônico das pilhas de lítio referidas no texto de Köck, usa parte desse descarte em cena.

Ah, e trabalho, muito e disciplinado trabalho – em cinco meses, mais de 100 ensaios. O diretor me comentou “Tenho de trabalhar, senão fico louco”. O próprio Thomas Köck, ao afirmar “É na repetição que surge a essência” na introdução de jogar paraíso/paradies spielen, parece receitar incansáveis tentativa-e-erro-e-acerto para que se consiga embarcar em seu texto. Um engajamento que justifica a expressão “massa encefálica crítica”, brincadeira com a compulsão de João e sua equipe em seguir discutindo e imaginando detalhes da encenação mesmo fora dos ensaios.

As restrições também são determinantes. A necessidade de pagar com alguma dignidade sua equipe, por um longo espaço de tempo, foi um dos elementos que levaram a uma encenação descarnada em termos de cenário. Fica claro que há uma relação essencial entre ética e estética.

Etapa de aquecimento dos ensaios. Créd. Foto: Renato Mendonça

O aquecimento dos atores (aí incluído João) é parte fundamental no processo de criação da Cia Espaço em BRANCO. No ensaio que acompanhei em 14 de fevereiro, no palco do GI, essa atividade durou mais de uma hora. Os exercícios propostos por JdR levavam os corpos de Evelyn Ligocki, Iandra Cattani, Eduardo d’Ávila, Sissi Venturin e Marcos Contreras (estes dois últimos substituídos mais adiante por Fernanda Carvalho Leite e Anildo Böes) a exibirem diferentes graus de maleabilidade e força, distintos talentos para o movimento que certamente eram percebidos pelo olhar atento do diretor na identificação dos trunfos e dificuldades que encontraria com o elenco.

Ficou evidente também o estágio embrionário da encenação e a abertura do diretor para receber estímulos e sugestões do elenco. JdR evitava definições preliminares, preferindo reagir ao que surgia. “Vamos ver como a cena anda no espaço”, estimulava. Na cena do incêndio, ele provocava os atores lembrando os então recentes episódios no Centro de Treinamento do Flamengo e da major piloto de helicóptero que brilhou nos resgates de Brumadinho. Na pausa do ensaio, ele avisou: “Cinco minutinhos para tomar água e anotar os insights!!!”. E lá iam eles para o caderninho.

Os insights – e as provocações – vinham de diferentes formas. A observação de que funcionários do GI se reuniam numa parte do pátio a que se tem acesso por uma porta de vidro ao lado do palco, foi decisiva para que a cena do casal chinês acontecesse ali. Eduardo comenta que as malas compradas num brique traziam dentro roupas de pessoas já mortas, o que influenciou no trabalho de algumas cenas: “Não é fábrica de salsicha. Não é pré-programado. É em tempo real e [o trabalho] dura o tempo que levar”. Evelyn conta que a imersão é levada para casa: “Algumas coisas eu sonho: sonhei com cada detalhe do corpo da Mariana. Ontem, resolvi passar o texto da heroína em voz alta antes de dormir, e me vieram sons fantasmagóricos, sussurrando Tecidos nunca mais. Incorporei ao texto”. Uma das passagens mais engraçadas e provocadoras em nível de geopolítica fica por conta de Iandra, que foi dirigida por JdR no show performático Fatale (2017). Em vestido de baile, ela canta A Internacional em mandarim! “João teve o insight. Uma China comunista e capitalista. Um socialismo que deu errado. Pesquisamos vídeos no YouTube e achamos um show de talentos na China em que se canta em mandarim A Internacional. O público em frenesi!”.

Thales Ramsés, o elenco e JdR durante produção do vídeo. Créd foto: Bruno Gularte Barreto

Anildo, também integrante do Grupo Cerco, descreve o “método JdR”: “São pequenas surpresas que vão se aglomerando e formam um grande aglomerado. É um desafio: não trabalhamos com personagens, mas com energia. João pode acatar ou não nossas sugestões. Quando não, temos de dar-lhe crédito de confiança porque ele tem a ideia geral na cabeça”. Um exemplo: na cena em que Iandra canta A Internacional, vão-lhe sendo colocadas joias (certo, de R$ 12, mas joias...). Anildo sugeriu que as joias estivessem em um suporte daqueles de feltro vermelho ou preto. João adorou: “Boa. Fica que nem muamba!”.

Foram usadas também estratégias bem focadas. No ensaio de 30 de abril, um dos poucos fora do GI, no ateliê de Fernanda, se ensaiava a cena apelidada de Ice 2, que exige do elenco falas na ponta da língua e humor na ponta dos cascos. Como afinar o timing cômico? Usou-se uma bolinha de frescobol que era jogada de um ator para o outro quando este tinha o turno da fala. “O ritmo do jogo é a urgência. A peteca não pode cair jamais”, cobrava João. “Mas fazer rápido não pode fazer vocês gritarem a fala. Esse jogo acaba com o ritmo mental”.

Alguns princípios de encenação puderam ser captados em instruções ou comentários do diretor. Em uma das cenas mais comoventes, Evelyn está encostada no umbral de uma das portas no fundo do palco. Ela consulta o diretor para marcar detalhadamente seu movimento e posição. João resume: “Economia. Essa é a posição”. No ensaio quatro dias antes da estreia, quando Anildo interpreta o Filho, o texto de Köck era assunto por estender demais a cena: “Tira tudo o que é gordura, Anildo. Deixa só o que vai chegar no público”, recomendou João.

Como em qualquer trabalho criativo, as soluções surgem aparentemente espontâneas, provavelmente decorrendo de um processo de saturação, de repetição, de tentativas – e de ecos de trabalhos anteriores, como se fossem rascunhos à espera de virem à tona. Eduardo chegou a afirmar que os ensaios de Tocar Paraíso são tão ricos que haveria material para outros espetáculos. Na verdade, a coerência do trabalho de JdR é tal que parece haver um continuum criativo que se autorrefere, um território de manobras.

Alguns exemplos de vestígios: quem assistiu a A Fome pôde reconhecer algumas falas que estavam em Teresa e o Aquário. Em Tocar Paraíso, isso fica claro numa cena da parte da peça. Enquanto João dava sua fala, o elenco estava ombro a ombro encostado na lateral do palco. Do nada, João foi passando a mão na cabeça de cada um e disse para eles desmancharem. Assim que foram desmanchando, emendou imediatamente: “E agora rolem pra fora do palco!”. Novamente um vestígio: em Baal, uma das cenas mais marcantes é a em que os atores rolam envolvidos em papel.

Na foto, Michele Rolim, a tradutora Christine Röhrig, Fernanda, Paulo Roberto Farias, JdR, Danuta Zaghetto (costas) e Maurício Casiraghi. Créd. Foto: Renato Mendonça

Outra fonte de referências foi o encontro promovido nos dias 16 e 17 de fevereiro entre os grupos do TRANSIT e a tradutora de jogar paraíso/paradies spielen, Christine Röhrig. As reuniões foram no GI, com os encenadores e atores dos dois coletivos do TRANSIT – da Cia Espaço em BRANCO, JdR, Fernanda Carvalho Leite e Eduardo d’Ávila. Durante os debates, o diretor de Tocar Paraíso mostrava interesse em mapear o quanto de vida pessoal de Köck estava no texto e destacava a citação do Prometeu, imagem que acabou por ser fundamental em sua encenação.

Há momentos de descontração, como quando JdR exortou uma das atrizes: “Te entrega, querida. Quero corpo e alma. Chama o Stanislavski. Se der certo, salsicha Bock para todos”. Ou quando comentou a escala de produção de Tocar Paraíso: “Esta é minha primeira obra praticamente operística para meus parâmetros [de produção]. Assim, terei meu primeiro contrarregra”, comemorou.

Pausa no ensaio de 5 maio. Na imagem, Thales Ramsés, Iandra, Eduardo. Anildo, Evelyn, Fernanda e JdR. Créd foto: Renato Mendonça

No início da semana da estreia, ao final de um ensaio não tão produtivo, o diretor questionou a equipe sobre de que tratava a fala final da peça. Depois das várias respostas do elenco, ele deu a palavra do diretor: “É a fala mais sublime. Porque todos nós, o autor e quem está fazendo a peça, saímos queimados desse processo de criação. Köck escreveu a peça quando a pele dele se queimou. Quando perdeu o self. Quando se transformou. Quando perdeu o mimimi.”

“Perder o self, perder o mimimi, transformar-se” serve como resumo do processo criativo de Tocar Paraíso.

O TAMANHO DO PASSO

Uma das imagens mais fortes do texto de Köck, que aparece na fala do Filho no início e de novo ao final da peça, trata dos passos que damos. Para onde vamos? E como? Seguimos em frente, mas repisando as pegadas que já demos? O dramaturgo austríaco defende que não estejamos na vida a passeio (embarcados no trem Ice?), que não sejamos “hóspedes da História”. O desafio é lançar o peso do corpo à frente e arriscar uma passada.

Tocar Paraíso é um passo à frente na carreira de João de Ricardo.  Como sempre, vários elementos contribuíram para isso. O elenco é muito bem escalado, com cada ator e atriz aportando um tipo diferente de talento – Iandra traz a voz de cantora e o humor sardônico indispensável nas cenas do Ice, Fernanda com seu domínio de corpo e histrionismo, Anildo com o rigor do gesto do Tai-Chi-Chuan, Evelyn com ecletismo para ir do tapa-olho à tragédia absoluta, Eduardo com sua emoção e sua experiência de bufão para turbinar a comédia. Diga-se: todo o elenco ousa também dar um passo à frente, saindo de suas zonas de conforto.

Outro elemento é evidentemente o texto de Köck. JdR diz que “o texto é x, e o espetáculo é y”. Certo. E o espetacular e o texto devem se nutrir um do outro, este emprestando disciplina e organização, aquele instilando a ruptura e os sentidos e efeitos insuspeitados. Solidamente assentado no texto original, foi possível sentar pé em um terreno que a Cia Espaço em BRANCO ainda não tinha trilhado: a comoção emocional do público.

Na trajetória do grupo houve alguns prêmios Açorianos e o elogio do estilo, da contemporaneidade das propostas cênicas, das surpresas que eram oferecidas, do manuseio original da luz, da borração entre atuação e performance. Mas a emoção, salvo raras oportunidades, dava lugar a um reconhecimento de talento. Desta vez, é impossível não se deixar tocar pelo Paraíso, aí entendida aquela emoção que reconhece a dor do semelhante e é filtrada até se manifestar como indignação e autocrítica.

Fiel ao talento musical de seu dramaturgo, construída como uma sinfonia com vários movimentos e andamentos, sem esconder as limitações mas sem economizar nos exageros de talento – é assumidamente uma peça brasileira sobre um texto europeu.

Tocar Paraíso também pode ser entendido como um músico que toca o instrumento Paraíso, um aceno de convivência e paz lançado ao público. No fundinho, é uma montagem otimista, que crê na transformação. Köck não parece compartilhar desse otimismo, e descreve sua obra como um “monólogo fracassado”. Usando uma imagem que se repete no texto, é como se o autor “gritasse de volta” e não houvesse resposta. Bobagem, ainda é possível tocar Paraíso. 

Equipe de Tocar Paraíso. Créd foto: Bruno Gularte Barreto

TOCAR PARAÍSO
Direção: João de Ricardo /JdR/
Texto: Thomas Köck com tradução de Christine Höhrig
Elenco: Anildo Böes, Eduardo d’Avila, Evelyn Ligocki, Fernanda Carvalho Leite, Iandra Cattani e JdR
Luz: JdR e Lucca Simmas
Som ao vivo: Daniel Roittman e Rodrigo Fernandez
Figurinos, produção e divulgação: Cia. Espaço em BRANCO
Vídeos: Bruno Gularte Barreto
Estagiário de luz: Thales Ramsés